oceano de webs abandonadas

Puede que con este blog hayamos pasado a formar parte del oceano de webs abandonadas...
http://www.elpais.com/articulo/portada/oceano/webs/abandonadas/elpepisupep3/20101022elptenpor_7/Tes

leandro erlich

seguramente ya habreis visto la nueva instalacición que este artista ha inaugurado en el reina sofía. erlich se dedica a jugar con el engaño y el artificio, buscando siempre que el espectador participe y sea consciente del juego, que se cuestione su percepción del mundo





y esta es la torre periscopio del reina sofía



http://www.leandroerlich.com

arte fachada

Hola a todos,
adjunto la web de las texturas y acabados para fachadas. Tienen muchos tipos de textil plástico, vinilo, etc., que se pegan en la fachada o en cualquier cristal y según ellos se quitan muy bien.
Van perfectos para la idea de Arte-Fachada, de "quito y pongo obras de arte", aunque solo son ideas para el proyecto, ya que luego cada artista tendrá su propia piel, utilizando la fachada como medio de exposición.
De momento no me han enviado las muestras que pedí, pero bueno, ahi va la idea.
http://www.creationbaumann.com/

Guillermo Vargas

Hace unos meses recibí un mensaje de una cadena de e-mails denunciando al “artista” Guillermo Vargas cuya obra consistía en atar a un perro callejero en la esquina de una sala de exposiciones para que éste muriera de inanición ante la mirada impasible de los visitantes. Pero esto no es todo; la prestigiosa Bienal Centroamericana de Arte decidió incomprensiblemente que la salvajada que acababa de cometer este sujeto era arte. Y así el supuesto artista fue invitado a repetir su cruel acción en dicha Bienal en el presente 2008. La Bienal Centroamericana de Arte reconoce por tanto como arte la muerte por inanición de un perro callejero en una sala de exposiciones.

Realmente siento un profundo malestar escribiendo sobre esto pero no creo que hacer oídos sordos sirva de nada. A veces dudo de donde está el límite para que algo pueda ser considerado arte, pero a mis ojos resulta evidente que la obra de Guillermo Vargas lo rebasa holgadamente en una dirección que no puede definirse de otro modo que de despreciable.

http://es.youtube.com/watch?v=idxEsoH4tb0&NR=1

Sin embargo, mientras escribía estas lineas he intentado buscar algo más de información y lo cierto es que en todas las páginas que he visitado la información es reciclada una y otra vez, tan solo existen unas 5 o 6 fotos en total (algo muy extraño en un caso así) y además en ningún caso aparece información de carácter ofial (periódicos y demás).

Por todo esto y por lo absurdo del maltrato en sí hay quien piensa que todo esto fue un montaje del propio Vargas, quien a través de un blog divulgó esta información falsa tal vez con la intención de generar un debate y una polémica que hiciera a la gente reflexionar sobre los límites del arte. Realmente ojalá que sea así y que esta barbaridad realmente se quedara en una acto de reflexión, porque de lo contrario podría significar que el arte está cabando su propia tumba al rebasar con mucho los límites tolerables por los más tolerantes.

Aquí teneis una pequeña reflexión en esta línea por parte de un amante del arte mexicano. por si os interesa:

http://es.youtube.com/watch?v=ALQBIyy3rHQ&feature=related

Me encantaría saber la verdad sobre este asunto. Si alguien sabe o descubre una fuente fiable de información que pueda aclararlo, me gustaría que la compartiera con el resto.

A los que les guste mucho la historia, las imágenes que vienen a continuación les pueden parecer dignas de echarse las manos a la cabeza, pero en general, ésta puede ser una magnífica idea, aunque haya que reconocer que “choca” un poco.

Se trata de un proyecto de Jan Vormann, que se fue con un grupo de artistas a un lugar cercano de Roma , llamado Bocchignano, a arreglar las paredes de los edificios antiguos.

Pero como son artistas y no arqueólogos, no podían arreglarlo como todo el mundo y se les ocurrió que quedaría mejor (y además tiene que ser más fácil) si lo hacían con piezas de Lego. Total, que la historia de Italia ha quedado así! Una imagen cuanto menos curiosa...

Zevs

El artista francés conocido como ZEVS, ha provocado desde los años 90, gran controversia con sus intervenciones callejeras. Su nombre hace referencia al tren parisino llamado Zeus, después de que en una ocasión estuvo a punto de ser arrollado por él. Ha utilizado también los nombres de Invasor y André.

Una de las obras que provocaron gran atención en su trabajo fueron sus dibujos de sombras que realizó a finales de los 90 en las calles de París. Posteriormente inició su "bombardeo visual" a las caras de los modelos de los grandes anuncios espectaculares, destapando la controversia de si aquello se trataba de una obra de arte o era un acto de simple vandalismo.

En 2002 recorto a la modelo de un gigantezco anuncio de Lavazza en la calle Alexanderplatz en Berlín y sobre el pedazo restante del gran cartel escribió: "Tu visual ha sido secuestrado. Paga ahora". Esta intervención no sólo fascinó a algunos amantes del arte transgresivo y a la gente en Berlín, sino que también ha inspirado a activistas políticos. Robar la imagen de un cartel es un acto que en Alemania hoy es reconocido como el "Secuestro visual". Zevs también ha estado trabajando por varios años en lo que él llama "buen graffiti', donde escribe en paredes sucias con un chorro de alta presión.

Sus actos de secuestro y manipulación ante los símbolos de las grandes y famosas marcas han sido el corazón de sus intervenciones. El irreverente acto de "secuestro" y la manipulación de elementos simbólicos de los logos de marcas mundialmente reconocidas ha sido el núcleo de sus esfuerzos creativos. Aunque, sin duda, pueden ser vistos como un examen de nuestra sociedad materialista, es difícil ignorar la confrontación que provoca ante el profundo arraigo de asociaciones con estos logotipos a través de una intrigante y cautivadora calidad visual. Al final, su trabajo nos empuja hacia un cuestionamiento interesante sobre la comprensión y la interacción "consumista" a través de sus irreverentes creaciones.

Para más información se puede visitar las siguientes páginas:

PingMan
Patricia Dorfmann Gallery

Krzysztof Wodiczko

Wodiczko es un diseñador industrial que ha realizado diversos proyectos de unos vehículos, similares al típico carrito de la compra destinados supuestamente a los homeless americanos. Sus diseños aportarían algo así como un vehículo que dispone de espacio para almacenar ropa, también para cartones, botellas, botes recogidos de la basura..., y un habitáculo plegable para dormir si no es posible encontrar otro lugar.

Dos temas interesantes:

-El autor no proviene directamente del mundo (como si fuera un lugar exlusivo y limitado) del arte, sino que su formación es de diseñador industrial.

-El objeto creado supuestamente estaría destinado para la fabricación en serie y la venta o donación a los homeless. Pero se trata de un objeto que se expone en los museos, creando reacciones contradictorias en los que lo observan: Hay quien lo analizaría con detenimiento pensando en la mejor o peor funcionalidad, hay quien lo rechazaría desde un punto de vista moral.

Además está el objeto en sí, que como mínimo, resulta una caricatura despiadada. Y las imágenes que lo acompañan, el vagabundo con su flamante y brillante vehículo paseando frente a la Trump Tower (claro que esto no es el asunto).

Creo que lo interesante está en la medida en que los objetos de arte, que se exponen en los museos, y que se fabrican hoy en día, necesariamente traspasan el coto privado y cerrado del arte, e integran diversas lecturas. Como hablamos en clase, no es posible entender el museo como lugar de distanciamiento, y con el prejuicio de quien ha accedido a un nivel de comprensión del lenguaje que el artista despliega. En este caso, y otros similares, es precisamente el artista quien juega con ese prejuicio, mostrándonos la inutilidad intrínseca de lo que se expone, puesto que el problema real a resolver, es otro: según la ONU, si se cumplen los "Objetivos del Milenio" http://www.un.org/spanish/millenniumgoals/ no será posible eliminar la pobreza extrema probablemente hasta el 2050. Por ello, puesto que este objeto no tiene ningún valor, se trata de una ironía, podemos entender que nuestro lugar en el museo como espectadores está condicionado por un prejuicio respecto a lo que es arte y lo que no. El museo sigue siendo un lugar para el arte, pero éste ya no es más algo que pertenece a un territorio limitado, sino que está contaminado y difuso, y quien lo realiza ya no es un artista, y ya no va dirigido al príncipe, sino a cualquiera.

Bueno, que no decaiga... Os dejo una dirección de blog parecido a este pero algo más "currado", aunque sobre este tema hay cientos en internet:

http://new-art.blogspot.com/

Christian Marclay y Gary Hill

Christian Marclay (1955, San Rafael, California), es un artista-compositor visual. El año pasado me encontré en la Tate Modern de Londres su "Video Quartet" (2002), consiste en cuatro proyecciones simultáneas en pantallas instaladas seguidas, en las que se van proyectando más de cien escenas de películas famosas de Hollywood donde actores o músicos tocan, cantan o producen algún tipo de sonido. La proyección simultánea está perfectamente compuesta para crear un collage audio-visual impresionante.

Os dejo un trozo que he encontrado en youtube, no tiene nada que ver con estar delante de las 4 proyecciones.

Por si no funciona el video: http://www.youtube.com/watch?v=9VmXoeZir7A



Os dejo otro video de Marclay impresionante...



Por si no funciona: http://www.youtube.com/watch?v=eu7LcGefXwE


Otro video-artista es Gary Hill (1951, Santa Mónica, California), también en la Tate vi un video de él que se aleja de los conceptos generales de arte pero que creo que es ingenioso como mínimo. Simplemente aparece una niña leyendo la obra de Wittgenstein "Observaciones sobre los colores", el libro escrito en un lenguaje técnico hace que la niña se trabe prácticamente en todas las frases, convirtiendo su lectura en una tortura. Al principio resulta cómico pero en poco tiempo (el video dura más de 40 minutos) consigue transmitirte una sensación de agobio e incomodidad.
Os dejo un link a un blog en el que explican su obra: http://www.roalonso.net/es/videoarte/gary_hill.php

Después de ver estas instalaciones yo me pregunto, ¿es lo mismo ver estos videos en un centro de arte contemporáneo (museo o no museo) que verlos en la tele de casa o en el portátil?

on-site-00

Hablando de límites, ¿dónde está el de la escultura vs instalaciones y a su vez dentro de estas, el de la contemplación vs uso? parece que el estudio on-site-00 puede a través de su "programatic furniture" hacernos pensar sobre ello...

http//os00.info/html

KARIM RASHID

Y si el límite que existe hoy en día entre el arte y la cultura popular
desapareciera? Teniendo en cuentra de que el objetivo de un museo
es acercar el arte a la cultura popular, los artistas en este caso crearían
obras derivadas de la cultura de masas. Y que harían los arquitectos?
Arquitectura de límites difusos?

Como ejemplo de artista pongo a Karim Rashid y su Digipop de la
nueva era digital.

ANTHONY GORMLEY

También este verano se presentaba en el Kunsthal de Rotterdam una retrospectiva sobre la obra de este artista. La muestra es una invitación hacia un viaje a través de diferentes estados emocionales, explorando los límites del cuerpo como un espacio habitable en sí mismo. El artista invita a reflexionar sobre nuestros propios cuerpos en relación con el mundo, con las estructuras arquitectónicas y los ambientes urbanos; sobre los caminos por los que nos orientamos espacialmente y de cómo reaccionamos cuando nos encontramos inmersos entre grandes estructuras estáticas.

En este sentido, una parte importante de la muestra trapasaba los limites del museo y se colocaba en los parques y edificios adyecentes, adueñandose del espacio público. Este es un punto importante que me gustaría destacar, al hilo del post anterior sobre Banksy, y ya de cara a plantear el proyecto:

¿Qué es arte y que no lo es? ¿Qué sucede cuando el arte abandona la galeria? ¿Hacia donde va?

En mi opinión, conforme el arte pasa de ser objeto de culto de una minoria a ser un objeto de consumo de masas, los límites que lo definen también parecen ampliarse proporcionalmente. En los últimos años hemos podido ver como los clásicos cuadros transgredian sus marcos, incapaces de contenerlos por más tiempo, y cobraban vida como instalaciones o performances en cualquier parte del museo o incluso a su alrededor. Detrás de este fenómeno, por supuesto, hay un sinfín de pormenores sociologicos e culturales complejos que sería dificil de analizar, pero cogiendo cierta perspectiva se observa una tendencia clara. Podría ser que, de seguir en este linea, la producción creativa rebasase también los límites del museo y se extendiese por toda la ciudad, por todas las facetas de nuestras vidas, como ya ocurrió hace un siglo con los objetos de diseño? Podría ser que el museo quedase convertido en un mero punto central de información y coordinación de obras que florecen por cualquier parte de la ciudad, el equivalente a los actuales institutos de arquitectura? Hacia donde va todo esto?

BANKSY

Este verano podía verse en la Tate Modern una interesante exposición de graffiteros y otros artistas urbanos. Resaltaba la faceta social y crítica (generalmente a través de la ironia) de la mayoria de ellos, además de la voluntad de extender el arte más allá de las puertas de los museos, a las calles y las ciudades, a las vidas de las personas y sus rutinas. Se trata un arte efímero, ya que sus obras generalmente son borradas a los pocos dias y los únicos testigos de ellas son algunas fotos y la propia gente que se las encontró. Banksy, que aún hoy se mantiene en el anonimato por las denuncias de vandalismo que pesan sobre él, genera mucha polémica entre otros activistas por vender algunas de sus obras a galerias de arte y otros mecenas, pero si das un paseo por Camden Town y otras zonas de Londres probablemente te encuentres algunas de sus obras. Además, en 2005, realizó numerosos murales sobre el muro de Cisjordania, concretamente en Belén, Ramala y Abu Dis

¿hay algo mejor para introducirse en el arte que una exposición?.........hasta este proximo domingo 12 de octubre de 2008, estará la exposición en el museo reina sofia de madrid titulada "maquinas & almas" sobre arte digital y nuevos medios y que cuenta con obra de artistas como theo jansen, john maeda, sachicko kodama, evru, ben rubin+mark hansen,........entre otros muchos. toda la informacion figura en la web http://www.museoreinasofia.es/

Jean Tinguely

Artista vinculado a la vanguardia europea de posguerra, sus monumentales esculturas máquinas y máquinas absurdas, realizadas con objetos industriales usados, ocuparon los principales museos y lugares públicos de ciudades como París, Nueva York, Milán o Basilea. En España, sus piezas llamaron la atención entre la oferta de las ferias de Arco. Tinguely se definía como "un artista del movimiento".

Se trata del precursor de la escultura cinética. Sin duda un claro referente para el artista ya citado en este blog Teo Jansen.

Requiem pour une feuille morte: http://es.youtube.com/watch?v=5zrqwTEYlRc

Tinguely en el IVAM: http://es.youtube.com/watch?v=bFC0Qs_IC48

Anónimo 01

En ocasiones el arte no se encuentra en museos, sino que necesita permenecer allí donde nace.

Este es el caso de la obra de un artista callejero suizo. Utiliza las piedras que consolidan la orilla del Zürichsee (Lago de Zurich), sin embargo no las talla ni modifica en ningún caso la naturaleza de las mismas. Lo que hace es llevar estos cuerpos inertes a una posición de equilibrio a la cual no podrían llegar ni en milenios de azar.

Una sensibilidad y sutileza sobrecogedoras.

(por cierto; pudimos comprobar con nuestras propias manos que no utiliza ningún tipo de adhesivo ni perfora las piedras)

ÁLVARO TAMARIT - BIODEGRADARTE

"Allí donde se juntan, en las desembocaduras, se depositan gran variedad de materiales; restos de la civilización y de la natura, que el mar devuelve después de haber sido arrastrados."

Estas palabras comienzan la declaración de intenciones que hace Álvaro, artista de Jávea, en Valencia, en su web http://www.biodegradarte.com/

Esperamos poder traerlo un día a clase, como hizo el año pasado.

TOM SACHS

Sachs siempre toma elementos de la sociadad de consumo para crear obras de carácter provocador y divertido, todas sus obras tienen carácter lúdico.

JOHN MAEDA

Es muy interesante el perfil de este artista-diseñador-científico-profesor de comunicación visual. Tiene diversos escritos sobre diseño y comunicación, y sus famosas diez leyes sobre diseño, con el mensaje "la simplicidad es compleja": http://cuatrotipos.wordpress.com/2007/12/18/las-10-leyes-del-diseno-de-john-maeda-la-simplicidad-es-compleja/

TAKASHI MURAKAMI

No podía pasar sin él... Uno de los top-ventas. Ha sabido integrar los códigos de la cultura de masas y el consumo y darles una plusvalía (enorme) al exponerlos en un museo... Un momento! Eso no lo hizo ya Duchamp, o Warhol? Lo dicho, en el mundo del arte todo es nuevo y todo es lo mismo, pero revisado y puesto al día. Arte es...lo que está en los museos.

Lo mejor del asunto es que esa cultura de masas, se revaloriza en los museos, y ya está lista para ser de nuevo consumida, a un precio mucho mayor y con la etiqueta de Louis Vuitton.

Y no es que tenga nada en contra de eso, todo lo contrario, de alguna forma, me parece una buena respuesta, una ironía frente al clasismo social.

DAMIEN HIRST

Ayer venía en El País un artículo sobre Hirst donde prácticamente se le acusaba de "estafador". Es un artista cuyas obras han alcanzado ventas multimillonarias. Aunque él no "fabrica" directamente nada, sino que establece algún concepto o boceto, y sus cientos de colaboradores lo materializan. También se dice que ha sido aupado por ciertos críticos favorables, sin merecerlo. En el artículo casi se obviaba el tema fundamental de la obra de Hirst: La muerte. Supongo que en su actitud hay mucho de mercantilismo, etc. Vargas Llosa habla de pseudoarte, aunque creo que todo en este asunto me recuerda a episodios de otras épocas. La cuestión se repite: artista provocador, egoísta, exhibicionista, ávido de pasta... pero detrás hay una obra. Resumiendo, me da igual Damien Hirst, pero no deja de conmoverme su obra.

Os pongo esta imágen de una de sus obras, que es de lo más "suave" que se puede encontrar, para no herir sensibilidades. Si queréis mucho más...internet.

Por cierto, veo que la cosa se anima... Muy bien a los participantes, ahora el paso siguiente es animarse a comentarlo o acompañarlo de una crítica.